Studio Tartaraku: Palazzo Ducale Genova - "C'era una volta il 33 giri" - Fabrizio De Andrè: Se ti tagliassero a pezzetti - 19 Aprile 2011 / 15 Maggio 2011 - Naked raku

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Claudio Cipolletti

Claudio Cipolletti è nato a Grottolella (AV) nel 1965. Diplomato in Scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli; Allievo dello scultore Augusto Perez; Ha conseguito la Maturità d'Arte Applicata in Ceramica presso l'Istituto Statale d'Arte di Avellino; Allievo dello scultore Giovanni Di Nenna e della ceramista Gabriella Rivalta; Abilitato all’insegnamento di “Educazione Artistica" e "Disegno e Storia dell'Arte"; Ha insegnato in diversi Istituti della provincia di Bolzano; Ha collaborato con diversi artisti e tecnici di fama internazionale; Ha partecipando con le proprie opere a diverse manifestazioni nazionali ed internazionali; Ha conseguito premi in diversi concorsi e mostre; Da diversi anni opera nel settore privato e pubblico realizzando corsi di formazione e specializzazione nel settore della Ceramica; Attualmente vive ed opera a Grottolella (AV).

lunedì 4 aprile 2011

Palazzo Ducale Genova - "C'era una volta il 33 giri" - Fabrizio De Andrè: Se ti tagliassero a pezzetti - 19 Aprile 2011 / 15 Maggio 2011 - Naked raku

1 commento:

The hope of the future is placed in the will of young people not to be sucking the brain from "paper figures". ha detto...: Se ti tagliassero a pezzetti il vento li raccoglierebbe
il regno dei ragni cucirebbe la pelle
e la luna tesserebbe i capelli e il viso
e il polline di Dio il sorriso...; 5 aprile 2011 alle ore 09:10

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Premessa

Fin dall’antichità la ceramica ha accompagnato quotidianamente la vita dell’uomo. Una serie infinita di forme e oggetti riflettono la straordinaria tecnica raggiunta nel corso dei secoli dalle Civiltà che si sono succedute. Oggi la sperimentazione nell’ambito della ceramica ha portato a dei risultati tecnici ed estetici eccezionali. Basti pensare che ormai le più quotate aziende del settore migliorano i loro prodotti attraverso lo studio delle caratteristiche delle diverse argille, creandone di nuove non reperibili in natura che hanno permesso a molti artisti di realizzare le proprie creazioni, con le più svariate tecniche. Ma mentre il progresso va avanti e si acquisiscono conoscenze, il rischio potrebbe essere quello di non valorizzare abbastanza tutto ciò che i nostri antenati ci hanno tramandato riguardo alle tecniche di costruzione e di di cottura della ceramica. Quindi si alle innovazioni ma senza perdere di vista le tradizioni. Claudio Cipolletti

Che cos'è la ceramica Raku

La ceramica Raku è iniziata con Chôjirô, nel 16° secolo, durante l’epoca Momoyama. In quel tempo la città di Kyôto e nei suoi dintorni si cominciava a produrre un tipo di ceramica che usava lo smalto tricolore (san-sai) proveniente dalla regione cinese di Fuchien; Chôjirô era uno dei ceramisti che sapeva usare questo tipo di smalto. In alcuni documenti, è menzionato un cinese di nome Ameya, sebbene non sono pervenute sue opere, si ritiene che sia stato lui ad introdurre la tecnica della ceramica dei tre colori in Giappone, Ameya era il padre di Chôjirô. Sebbene la ceramica prodotta vicino a Kyôto e quella di Chôjirô appartengono alla stessa categoria di cottura, è completamente diverso il senso estetico che determina la forma e la tonalità dello smalto. L’origine della ceramica e del nome Raku deriva dall’incontro tra Chôjirô e il Maestro Sen Rikyû, fondatore del cha-no-yu, la cerimonia del tè. E’ per il Maestro che Chôjirô iniziò a fare tazze da usare nel cha-no-yu. L’essenza di cha-no-yu è offrire una tazza di tè e berla. Alcuni maestri di questa cerimonia portarono il significato di questo semplice atto fino al campo vastissimo che spazia dall’architettura, all’arte di creare un giardino, all’artigianato, alla pittura, alla calligrafia, ecc.., e cercarono di approfondire, al di là del quotidiano, il valore della vita e il suo senso religioso e filosofico. Ancor oggi questo è un aspetto fondamentale della vita e della cultura giapponese. All’inizio la tazza fatta da Chôjirô era chiamata tazza "ima yaki" (cotta adesso). Nella sua contemporaneità era all’avanguardia, al di fuori dell’immagine tradizionale della tazza, in seguito prese il nome di "Juraku yaki" (ceramica Juraku), poi assunse il nome "Raku yaki" (ceramica Raku) o "Raku chawan" (tazza Raku) quando Toyotomi Hideyoshi, governatore del tempo, consegnò il timbro con l’ideogramma Raku a Chôjirô. Juraku deriva da "Jurakudai" il nome del castello, simbolo dell’epoca, costruito da Hideyoshi: designava la ceramica tenuta in grande considerazione a Juraku, nonché il nome dell’argilla prelevata in quella zona. Una errata interpretazione della ceramica Raku, deriva dalla traduzione del suo ideogramma che significa gioia comoda, semplice, questo porta a pensare che la ceramica Raku sia facile da realizzare, ma non è così. In seguito, primo esempio nella storia del Giappone, Raku diventò il cognome della famiglia di Chôjirô, e oggi rappresenta nella storia della ceramica, la tradizione che si tramanda ininterrottamente nella stessa dinastia da oltre quattro secoli. L’origine della ceramica Raku, ovvero la caratteristica tazza di Chôjirô, era basata sul senso estetico dato dalla monocromia nera e rossa, evitando il colore lucente caratteristico del san-sai (dei tre colori). Questa monocromia prende origine dalla filosofia del Wabi-cha (cerimonia del tè basata sul pensiero wabi), dal concetto Zen di mu (nulla) e da quello Taoista di mui-ji-nen (senza volontà, in modo spontaneo). Il senso estetico simboleggiato dalla parola Wabi forma la base del pensiero del medioevo giapponese ed è anche il flusso che collega il Waka (poesia di trentun sillabe) il Renge (poesia in catena), il teatro Noh, ecc. Questo periodo molto speciale dell’arte giapponese che fa sua la ricerca spirituale, è in antitesi a quello del ‘700 e ‘800 giapponese ricco di senso decorativo, caratterizzato dall’uso di colori chiari e belli di cui esempio sono le pitture di scuola Kano, Rimpa e Ukiyo-e. A differenza delle altre ceramiche giapponesi, la ceramica Raku non usa mai il tornio, vengono utilizzate soltanto le mani. L’utilizzo esclusivo delle mani permette la libera formazione secondo la sensibilità dell’artista, nello stesso tempo trasmette calore e sentimento. Le tazze create da Chôjirô negano questo fatto, andando al di là della creazione come espressione ideale. La forte tensione del mondo magnetico della coscienza è più evidente quando tralascia il formale gusto decorativo e creativo, per immergersi nella serenità del monocolore. Il desiderio dell’artista di negare tutti gli sforzi creativici coinvolge e ci attira nell’avventura psicologica paradossale di esprimere la volontà di superare ogni espressione. Al di là di questa avventura che cosa cercava Chôjirô? Cosa possiamo trovare noi contemporanei? Questa direzione della coscienza espressiva pone ancor oggi, a quattrocento anni di distanza, una domanda nuova al nostro mondo spirituale. La ceramica Raku viene tramandata da 15 generazioni così come fu ai tempi di Chôjirô. A differenza del "noborigama" (forno a più camere costruito su un pendio) che consente di produrre un gran numero di ceramiche Raku, usa il forno "uchigama" con mantice incorporato che permette la cottura di una singola tazza; questa viene estratta dal forno non appena lo smalto si scioglie ed è ancora incandescente. Questa tecnica è ora conosciuta in tutto il mondo. Continuare ad utilizzare la stessa tecnica non significa la semplice riproduzione della forma tradizionale; ispirandosi alla coscienza di ogni epoca essa brucia energia creativa. Come dice lo stesso Kichizaemon XV Raku: "La tradizione non è un semplice atto di custodire e ripetere". Tutto dipende da cosa vuole intendere l’artista con coscienza e con tecnica tramandata come tradizione: avendo come base una consolidata tradizione è possibile creare una opera d’arte completamente nuova. Raku generations: Chôjirô I (- 1589) Jõkei II (- 1635) Dõnnyü III (1599-1656) Ichinyü IV (1640-1696) Sõnyü V (1664-1716) Sanyü VI (1685-1739) Chõnyü VIII (1714-1770) Tokunyü VIII (1745-1774) Ryonyõü IX (1756-1834) Tannyü X (1795-1854) Keinyü XI (1817-1902) Kõnyü XII (1857-1932) Seinyü XIII (1887-1944) Kakunyü XIV (1918-1980) Kichizaemon XV (1949 - ) Fonte: Museo Internazionale della Ceramica di Faenza

Simbologia della Tartaruga

La tartaruga è un animale in grado di proteggersi da ogni attacco esterno e rappresenta una forza nascosta. Assomiglia un poco all’antichissimo silenzio della vita, che in caso di pericolo sa sempre rifugiarsi in sé. * Nell’antica Cina la Terra veniva considerata come poggiata sulla schiena di una tartaruga marina di dimensioni cosmiche, a garantire magicamente la stabilità del cosmo. La tartaruga è uno dei cinque animali sacri. Personifica il Nord, l’Acqua e l’Inverno: lo “Yin compiuto”. Per la sua longevità è il simbolo della «lunga vita» mentre, per la sua invulnerabilità, è il simbolo dell’ordine immutabile. «La tartaruga, con il suo guscio tondo [simbolo geometrico del Cielo] che sormonta un carapace quadrato [simbolo geometrico della Terra], esemplifica la struttura cosmica […]. Per questo è un animale sacro sul cui guscio si leggono i Bagua (trigrammi dell'Yijing). Rinomata per la sua memoria e fedeltà, la tartaruga è simbolo per eccellenza di longevità, sia per il suo 'prendersela con calma' - principio base di molte tecniche di lungavita - sia perché la sua forma corporea esprime l'unione armonica tra il cielo e la terra» [1] * Nell’antichità europea, a causa delle sue numerose uova, la tartaruga veniva considerata il simbolo della fertilità; per il suo “contegno silenzioso” era il simbolo dell’amore pudico, mentre la sua lunga vita ne faceva la quintessenza della vitalità. L’animale “che vive nella melma” era anche il simbolo dell’attaccamento alla terra ma, poiché col suo guscio si poteva fabbricare uno strumento musicale a sette corde, era anche in grado di rallegrare il cuore. La funzione protettrice del suo guscio era già nota nei riti magici dell’antichità come difesa dalla grandine e dagli incantesimi. * Nell’arte e nella mitologia dell’antico Messico le tartarughe marine erano le cavalcature di mitici antenati. * In India la tartaruga (Kurma) era considerata la seconda personificazione del dio Vishnu. * Per i Mahori la tartaruga ha il significato della lentezza nell'amore e nella propensione alla pazienza e all'altruismo.

...possano i miei passi essere come quelli di una tartaruga...

Mentre percorro la strada della vita, possano i miei passi essere come quelli di una tartaruga, fermi e sicuri. Non importa quale ostacolo la tartaruga incontri sul cammino, troverà alla fine un modo per aggirarlo.
E' se una persona sventata la sollevasse e la deponesse di nuovo rivolta dalla parte opposta, si girerà sempre, troverà la via originaria, e si dirigerà verso la sua meta.
Possa la mia vita avere una dimora sicura come per una tartaruga, avvolta da una corazza solida, tonda e impermeabile, che la protegge dai colpi della vita e gli offre un riparo dalle tempeste.
Possa la mia pelle essere come quella di una tartaruga, spessa e coriacea, così che le parole dure dette con rabbia non feriscano il cuore.
Possa la mia volontà essere come le zampe e gli artigli di una tartaruga, solidi e robusti che non importa quanto possa essere duro, secco e sassoso il terreno su cui camminerà, essa sarà sempre in grado di scavarlo e piantarvi i semi della felicità, della pace e dell'appagamento.
E tutti i semi che pianterà possano crescere e fiorire e portare frutti meravigliosi.
Possano i miei occhi essere come quelli di una tartaruga, brillanti e vivaci, che non guardano mai indietro alle nuvole minacciose radunate alle sue spalle, ma sempre avanti a un futuro roseo e brillante.

Elogio della Lentezza

Muoviti con calma. Assapora la vita. La realtà intorno a noi si muove a ritmi sempre più rapidi e le nostre menti sembrano doversi adeguare per necessità ai ritmi imposti. Ma non è così. Tu puoi decidere in ogni momento quale velocità imprimere alla tua esistenza. Agire con lentezza, vivere il momento in tutta la sua pienezza, apprezzandone il più intimo significato, è una scelta che puoi fare in ogni istante. Prova a prediligere la calma invece della fretta, la serenità al posto dello stress, la qualità e non la quantità. Quando rallentiamo, concediamo a noi stessi la meravigliosa opportunità di vivere il presente nel pieno della nostra consapevolezza, colmandola di significato e cogliendone gli aspetti più vivi e profondi. La vita è in grado di espandersi verso una bellezza infinita, se solamente le diamo la possibilità di farlo. Per riuscirci, prova a rallentare, sii consapevole, focalizzati su ciò che la vita ti offre, senza pensare ora a ciò che verrà dopo, senza fretta, senza frenesia, senza stress.

Modellazione a mano

La modellazione a mano è certamente una delle più antiche tecniche per foggiare un oggetto, e ci si serve del solo ausilio delle mani. Consiste nel far ruotare tra le mani una palla d'argilla già battuta e praticare al centro di essa un foro con il pollice, lo slittamento del pollice verso il basso mentre all'esterno dell'oggetto le altre dita compiono un movimento uguale e contrario, determinano la forma che si vuole dare all'oggetto. Con il tempo, poi, sono state apportate delle varianti tutt'ora in uso: - Utilizzare parti del corpo, come il ginocchio o il gomito, a mò di forma su cui vengono adagiate e pressate lastre d'argilla ottenute dallo schiacciamento manuale della stessa (Giappone); - Foggiare un oggetto dal blocco d'argilla battendo ripetutamente su di esso con un sasso levigato (Sudan); - Schiacciare l'argilla con il palmo della mano per poi rifinirlo con un sasso levigato(Etiopia); - Foggiare l'oggetto con l'ausilio di supporti in legno, uno tenuto dall'interno a mò di forma, mentre l'altro viene utilizzato per battere con leggeri colpi l'argilla su di esso, dando così la forma all'oggetto (Perù).

Tecnica a Colombino o Lucignolo

Questa antica tecnica, ancora oggi in uso, prevede la realizzazione di oggetti servendosi di "salsicciotti" d'argilla uniti tra loro. Esistono svariati modi di costruire un oggetto a Colombino, ma la prima fase è per lo più uguale per tutti: Consiste nello schiacciare una palla d'argilla per creare una base su cui vengono adagiati e adeguatamente pressati delle corde d'argilla che andranno a formare le pareti dell'oggetto. Se i colombini vengono legati tra loro con un pò di barbottina l'oggetto deve necessariamente essere battuto e modellato servendosi di una paletta e di un supporto. Se invece i colombini vengono uniti tra loro con la sola pressione esercitata dall'indice (all'interno verso il basso) e dal pollice (all'esterno verso l'alto) non è necessario fare altro. Inoltre bisogna tener presente che gli spessori dei "salsicciotti" sono determinati dalla grandezza del pezzo che si vuole realizzare.

La tecnica raku

Il raku è una tecnica di origine giapponese, nasce in sintonia con lo spirito zen che esalta l'armonia presente nelle piccole cose e la bellezza nella semplicità e naturalezza delle forme.
Il termine raku significa letteralmente " gioia di vivere ". Anche se questa definizione non è in relazione con le origini dell'arte raku, descrive molto bene la sensazione che si ha durante la pulitura dei pezzi subito dopo la riduzione ( il pezzo che prende vita ).
L'origine del raku è legata alla cerimonia del tè: un rito, realizzato con oggetti poveri tra i quali il più importante era la tazza. Le sue dimensioni erano tali da poter essere contenuta nel palmo della mano. L'invenzione della tecnica raku è attribuita ad un artigiano coreano di nome Chojiro, che la sviluppò per poter più facilmente creare le ciotole per la cerimonia del tè.
La tecnica raku è stata introdotta recentemente nel mondo occidentale. L'effetto decorativo, con riflessi metallici e craquelè, la singolarità del processo, dove l'oggetto è estratto incandescente dal forno, ne fanno una tecnica decisamente emozionante, che stravolge il metodo ceramico classico. Durante il processo raku il pezzo subisce un forte shock termico; è quindi necessario utilizzare un'argilla robusta e refrattaria. Questo tipo di terra ha al suo interno dei granelli si sabbia (chamotte) che diminuiscono il grado di contrazione, evitando così la probabilità di frattura. La prima cottura viene effettuata ad una temperatura tra gli 850° C e i 1000° C a secondo del tipo di argilla usata. La seconda cottura invece, la cottura raku, avviene dopo la smaltatura del pezzo in un apposito forno dove la temperatura sale fino a 920°-950° C. A questo punto il pezzo ancora incandescente viene estratto con apposite pinze dal forno e rinchiuso in un contenitore metallico contenente materiale combustibile (foglie, giornali, segatura, ecc.) che oltre a bruciare soffoca anche il pezzo provocando una grossa riduzione. L'oggetto viene poi estratto dal contenitore e immerso nell'acqua, dopodichè viene ripulito dai segni della combustione per far emergere la irridescenza e brillantezza degli smalti. Il processo di riduzione può essere totale o parziale, e cambia in base a una serie di variabili: il tipo di combustibile; la sua umidità; il tempo che intercorre tra l'estrazione e la riduzione; la copertura, totale o parziale dell'oggetto.

Ingobbio

Gli ingobbi sono rivestimenti ceramici sottili, generalmente applicati a crudo, ricavati da argille aventi la funzione di cambiare il colore del corpo dell'oggetto. Si presentano di aspetto setoso opaco dopo la cottura, ma possono essere resi lucidi con la brunitura, cioè con la pressione di stumenti in legno, metallo, pietra, vetro o plastica. Si intendono ingobbi solo se mantengono, dopo la cottura, lo stesso strato del supporto: porosi su terracotta o sinterizzati su gres. Possono essere naturali o addizionati a coloranti ceramici e con fritte fusibili che ne aumentano la durezza e in questo caso si avranno ingobbi sinterizzati. Se l'agginta di fusibilità porta l'ingobbio alla completa vetrificazione, non si potrà più parlare di ingobbio ma di vero e proprio rivestimento vetroso, cioè, lo smalto.

Terra Sigillata

Questo termine viene usato in ceramica per definire ingobbi porosi ottenuti per decantazione che rendono un oggetto vetrificato. Il termine "terra sigillata" è stato coniato dagli storici dell'arte e deriva dalla trasformazione di: "terracotta decorata a timbri". Per semplificare la parola terracotta è stata contratta nella parola "terra" e la parola timbrata è stata tradotta in "sigillata" dal latino Sigillum che significa timbro. Si tratta di una vasta produzione di oggetti in terracotta diffusa in tutto l'impero romano a partire dal 1000 a.c. Questi manufatti hanno la prerogativa di essere rivestiti di una patina: una vernice vetrosa sottilissima e lucida che ha conferito a questi oggetti la possibilità di contenere liquidi. Queste patine si ottengono separando dalla composizione argillosa, per sedimentazione in acqua, le particelle piu' fini e colloidali da quelle piu' grossolane. La scelta delle argille da trattare privilegia quelle molto plastiche ricche di ossido di ferro, sodio e potassio. Una prima sommaria separazione delle sabbie silicee dalla parte plastica puo' avvenire dissolvendo l'argilla in quantita' molto elevata di acqua all'interno di un contenitore a colonna, asportando la parte altra della sospensione che si forma dopo breve tempo. Quindi per mezzo di un sifone si estrae la parte dell'acqua che contiene le particelle in sospensione e si lascia depositare sul fondo l'ingobbio finissimo o terra sigillata. Gli ingobbi potranno essere applicati a crudo, la cottura potrà essere effettuata sia in ambiente ossidante sia riducente ottenendo una paletta di tonalità rosse tipiche delle vernici "aretine" fino al nero brillante di tipo "attico-primitivo".

Anagama

Termine giapponese che significa "grotta del forno " l'Anagama è appunto un forno per la cottura della ceramica che consiste in una camera di cottura con un focolare ad una estremità e una canna fumaria a l'altra. Sebbene il termine "focolare" è usato per descrivere lo spazio per il fuoco, non esiste una struttura fisica che separa lo spazio di alimentazione del forno dallo spazio riservato ai pezzi da cuocere. Si tratta, quindi, di un forno monocamerale costruito a forma di tunnel inclinato su di un pendìo. Antiche fornaci erano a volte costruite scavando gallerie direttamente nei banchi di argilla. Al contrario della maggior parte di artisti ceramisti contemporanei che utilizzano comunemente forni alimentati elettricamente o a gas, l'anagama è alimentato con legna da ardere. Per la cottura è necessaria una fornitura costante di combustibile, perchè la legna, come è facilmente intuibile, si consuma molto rapidamente. Non è una operazione facile condurre in porto una cottura, molte sone le variabili che la possono condizionare e l'esperienza diventa essenziale. La combustione della legna non solo produce calore fino a 1400° C ma anche ceneri e sali volatili, queste componenti depositandosi sui pezzi durante la cottura, insieme alla complessa interazione con la fiamma, produce uno smalto naturale che si forma sul corpo della creta. Questo smalto può mostrare una grande variazione di colore, consistenza e spessore, che và dal liscio e lucido al ruvide e tagliente. La collocazione dei pezzi all'interno del forno influisce sull'aspetto che avranno le ceramiche: i pezzi più vicini al focolare possono ricevere uno spesso strato di ceneri, o persino essere immerso nella brace, mentre quelli più distanti nel forno possono essere dolcemente toccati dagli effetti della cenere. Altri fattori che condizionano la colorazione dello smalto formatosi all'interno del forno dipendono, oltre che dalla posizione dei pezzi, anche dalla temperatura raggiunta e dall'ambiente creatosi, se più o meno ossidante o riducente. Si dice che il carico di un forno anagama è la parte più difficile per un ceramista che utilizza questo metodo di cottura, infatti, un bravo vasaio deve immaginare il percorso della fiamma all'interno del forno, ed in base a questo collocare i pezzi da cuocere. Il tempo della cottura dipende dal volume del forno e può durare dai 2 ai 12 giorni o più. Il forno, generalmente, impiega la stesso tempo per raffreddarsi.

Noborigama

E' un forno per cuocere la ceramica, come l'Anagama è costruito su un pendìo, ma molte sono le caratteristiche che lo distintinguono da esso. Essenzialmente l'Anagama è costituito da una sola camera con volta con il fuoco che brucia al livello più basso, mentre il Noborigama è formato da una fornace con due bocche più alcune camere successive, interconnesse alla base, ognuna delle quali permette di alimentare l'altra che si trova ad un livello più alto della precedente, infine vi è il camino. Le camere generalmente hanno queste dimensioni: larghezza m 1,20 - profondità m 1,50 - altezza m 1,80. Si stima che per costruire un forno noborigama con tre camere di cottura ci vogliono circa 3000 mattoni. Ogni camera può contenere dai 1500 ai 2000 pezzi (dipende dalla grandezza), vi sono alcuni esempi in Giappone di noborigama che hanno 10-12 camere che quindi arrivano a cuocere ogni volta circa 20000 oggetti. Una volta caricato e chiuso, il forno viene alimentato alla foce con grossi pezzi di legna e lasciato andare per circa 24 ore. In una seconda fase è alimentato direttamente da ciascuna camera, con piccoli pezzi di legno, attraverso apposite aperture adatte allo scopo, per circa 8 ore. Alla fine per alimentare un a cottura di un forno di 3-4 camere occorreranno circa 15 metri cubi di legna, equivalenti ad un camion carico. Con questo processo si determina la cottura del biscotto intorno agli 800-900° C nelle prime 8 ore, mentre nelle successive 35-40 ore alla temperatura di circa 1350° C, vengono fissati gli smalti formatisi nel forno dalle ceneri. Il forno dal momento che non viene più alimentato impiega circa 5 giorni per raffreddarsi. La riuscita di una cottura fatta con il noborigama dipende da una buona gestione della temperatura rispetto al tempo. Infatti siccome la combustione dura circa 35 ore bisogna monitorare costantemente il forno, giorno e notte, in modo da controllare la temperatura per tutta la durata della cottura avendo cura di alimentare il fuoco adeguatamente. Questo compito deve essere svolto da più persone in quanto noioso e stressante, ed è proprio a causa del grande lavoro complessivo che deve essere impiegato per portare a termine con successo una cottura del genere che il forno noborigama viene acceso solo quando è garantito un carico adeguato.

Il "Chinco"

E' una ciotola di terracotta di circa 30 cm di diametro con fondo piano, spesso circa 2,5 cm con alzate di circa 3 cm. Sconosciuto ai più, questo coccio è caratteristico della provincia di Avellino. Ormai usato solo da qualche nonnina che ancora lo possiede, serve per la cottura della pizza di mais ed è realizzato con argilla refrattaria che i nostri antenati ottenevano impastando l'argilla del luogo (argilla plastica) con la rena (sabbia). Ma perchè chiamarlo "Chinco"? Nella terminologia dialettale usata dalle nostre parti, anche recente, la parola “Chinco” indica un pezzo di terracotta non molto spesso ma ampio, particolare questo che riconduce all’Embrice o Tegolo, da cui anche “Teola”. Quindi il termine ”Chinco” o “Teola” stà per porzione di Embrice o Tegolo. L’Embrice, come è noto, è un elemento di terracotta (paragonabile all’attuale tegola) usato fin dall’età romana in edilizia per la realizzazione delle coperture ( più tardi anche in combinazione con il coppo). Ed è proprio la sua forma particolare, piana con dei rialzi laterali, che lascia presupporre un riciclo di quei pezzi scheggiati o rotti in parte, scartati in edilizia ma utilizzati in cucina per la cottura della pizza.